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Critiques du festival du nouveau cinéma

Histoires que nous racontons Dir. Sarah Polley

Voici une prédiction: Sarah Polley semi-documentaire va être difficile à battre comme le meilleur film que je vais voir à ce festival. C’est un soupir de soulagement quand tout fonctionne dans un film parce que le temps que vous passez à le regarder enrichit votre vie et ne perdez pas votre temps. Histoires que nous racontons est un énorme soupir de soulagement.

Il met l’accent sur la famille de Sarah, sa mère en particulier, et la naissance de Sarah, comme racontée à travers différents points de vue des membres de sa famille et des amis. Mais il réussit aussi à être un essai sur l’art de raconter, une expérience en alternant récits et la façon dont les points de vue peut changer la «vérité», et l’impact que peut avoir.

Polley a décidé de mettre sur quelque chose de film qui est incroyablement personnel et par son honnêteté, elle raconte une histoire universelle. Les entrevues franches ne faut pas longtemps pour obtenir le spectateur à l’aise avec Sarah cercle de gens, comme si vous les avez vus auparavant, des membres de votre propre famille. Le plaisantin, l’inquiet, le timide, le vif comme la maman de Sarah était, tout le monde a un ou plusieurs de ces exemples tirés de leur propre petit cercle.

Grâce à l’édition brillant, les entrevues sont entrelacées avec films à la maison de Michael et le passé de Diane sur Super 8, tandis que les bits granuleuses 16mm avez des acteurs qui jouent les rôles de la jeune Sarah Polley Diane, Harry Gulkin, Michael Polley-les chiffres-clés de cette histoire tragi-comique captivant des gens ordinaires, de façon transparente. Les visages trouvés pour ces parties doit avoir été un processus difficile à lui tout seul, mais elle est payante grand temps parce que vous oubliez que vous regardez acteurs.

Oh, et il est vraiment, vraiment drôle aussi. Il est difficile de choisir un moment hors stand qui m’a fait rire incontrôlable parce qu’il ya tellement de choix. Qu’il s’agisse de vidéos de Michael lune de miel où la caméra trouve toits plus intéressant que les gens ou la discussion de Michael et la vie sexuelle de Diane ou Sarah recevant un appel important port de Neandertal make-up, c’est difficile à dire. En outre, vous devriez voir ce film avec des yeux aussi frais que possible, car une partie de ce sentiment enrichi vous obtenez dépend de la façon dont peu de connaissance sur l’histoire de Sarah à l’avance.

Il est bien difficile de critiquer un projet comme celui-ci juste parce que c’est si bien fait avec l’utilisation de la musique, l’édition (c’est tellement bon, il mérite un double shout-out) et la richesse du contenu. Il ya quelques rebondissements dans ici que, si vous n’êtes pas au courant de l’histoire personnelle de Sarah, sont aussi remuant que tout ce que vous verrez dans un film de fiction de cette année. J’ai quelques réserves sur la ligne de Sarah de questionnement, l’attitude à l’égard de la fin de Harry Gulkin et le sens aigu de l’importance de l’indicible, mais ce n’est projets de Sarah et de sa seule responsabilité. Comme Michael lui a parlé de son écriture, le choix est le sien à formuler sur ce qu’elle fait avec elle, et comment elle présente le film.

Le fait qu’elle a rendue publique quand elle pourrait tout aussi bien de tout gardé pour elle-même est quelque chose que nous devrions simplement être reconnaissants, sans chipotage. Mais pour en revenir à ce que je ressens est le thème principal de ce projet, allant au-delà toute la mémoire personnalisés ou souvenirs du passé, histoires que nous racontons est sur la puissance des histoires poignantes ordinaires et la façon dont ils dit. Comment allez-vous creuser à travers les crevasses de votre mémoire de verbaliser les sentiments et l’impact d’un individu a eu sur votre vie, et voyant que réalisé à travers des images et des sons. C’est un truc extraordinaire, les trucs qui cultive l’esprit, et je ne peux pas le recommander assez fortement.

ANTIVIRAUX Dir. Brandon Cronenberg

Le 0 TEMPS branche du Festival du nouveau cinema a ouvert avec le premier film de Brandon Cronenberg antivirale et c’est tout l’esprit dément peut espérer.

Controversée et choquant, au-delà des gros plans de visages et des aiguilles en difficulté, c’est une critique chirurgicale sur un type spécifique de la maladie, c’est une contagion puissant dans la société d’aujourd’hui: la manie célébrité. Avec cette idéologie lourde sauvegarde d’une hypothèse fascinante, antivirale aurait pu être tellement plus que le détaché, produit final inquiétant qu’il finit par être.

Opérant dans une société dans laquelle fandom a atteint un nouveau niveau entier, Syd Mars (Friday Night Lights »Caleb Landry Jones) travaille pour la clinique Lucas, un chef de file dans la fourniture de ventilateurs affamés un lien biologique avec leurs stars préférées vis-à- vis des injections virales. Les gens ont choisi leur favori celeb du catalogue Clinique Lucas, a choisi le type de virus qu’ils veulent (herpès, de la fièvre ..) et Syd les conseille sur ce qui est le plus grand vendeur actuel et ce qui convient à leur désir le plus fou.

Comme un chirurgien plastique qui retourne un livre échantillon de célébrités lèvres pour quelqu’un qui veut ce sourire spécial Hollywood, Syd prend plaisir à son travail. Megastar Hannah Geist est le plus grand des produits de base de la clinique, mais les nouvelles de sa mort prématurée passe les vitesses en mode frénésie parce que Syd lui-même injecté dans son droit propre sang avant de mourir. Maintenant, il craint ce qui a tué sa va le tuer et que son corps se décompose lentement sa quête d’un remède et le mystère qui entoure la mort de Hannah commence.

Antiviral est utile de votre temps si vous êtes un fan de l’horreur de David Cronenberg corporelles début comme enragé, The Fly et Vidéodrome. Ne nous leurrons pas, le fils va inévitablement apprendre du père s’il choisit la voie même carrière. Une séquence particulière hallucinatoire lorsque les tentatives de Syd pour analyser le sang d’Hannah (après s’être injection, l’homme stupide) voit fondre la machine avec de la chair et c’est millésime Cronenberg Sr. Ces séquences sont rares, cependant, et contrairement aux films de papa, les lacunes de cette histoire , ainsi que son protagoniste tiède, ne sont pas.

Le regard stérilisés du film, avec ses abondantes blancs et gris rappelant la froideur des couloirs de l’hôpital, est compréhensible, mais il fonctionne aussi pour détacher le spectateur de se sentir tout lien avec ce qui se passe. Investissement affectif est maintenu à bout de bras par intérim en raison de langueur Jones et l’idée générale de Syd Mars, la personne qui est à la pointe de presque toutes les images ici. Je n’arrêtais pas de penser à moi-même, pourquoi dois-je prendre soin de ce mec? Bien sûr, c’est injuste et à un niveau fondamental de l’homme que je ressens pour lui, mais son tueur en série éclats dégagent une ambiance glauque et, n’est-il pas au moins en partie à blâmer pour tout cela?

Le choix de mettre fin, indispensable à toute histoire, a beaucoup à voir avec ce sentiment général d’indifférence. C’est comme une seringue qui creuse trop profond et vous laisser avec un sentiment plus peiné que guéri par l’expérience globale. Partie horreur, mystère partie, Antiviral réussit finalement à faire vous regardez les panneaux d’affichage et des annonces de célébrités un peu différemment et avec un sentiment d’effroi, mais c’est un film qui se laisse aller trop dans son style, poussant la gravité de son contenu suite. Comme un homme étouffé par son propre sang, le film se gargarise à mort parce qu’il refuse de tourner sur le côté et regarder ses propres thèmes sous des angles différents.

Mars et Avirl Dir. Martin Villeuneuve

Après avoir regardé FOCUS ouvre Mars et Avril, il ya une chose que je ne peux pas blâmer Martin Villeuneuve pour: manque d’originalité.

Ce n’est pas tous les films que vous obtiendrez cocktails du futur appelé Fueltinis, instruments de musique conçus à partir de dessins de modèles féminins en direct, un système de Futurama-comme les transports publics avec une attitude et l’immortalité par des hologrammes. L’imagination derrière la conception de ce film n’est jamais ennuyeux, qui se révèle être un facteur crucial, car le scénario et les personnages sont une autre histoire tous ensemble.

L’intrigue est difficile de dire en un mot, mais en gros, Jacob Obus (très tendre et introverti Jacques Languirand) est un musicien de 75 ans et il travaille avec les Spaak qui conçoivent les instruments qu’il joue. Arthur Spaak (eyebrowlesss Paul Ahrmarani) les attire et son père, Eugène, qui est un hologramme marche-parler-interaction, les crée. Robert Lepage joue la tête. Jacob et Arthur à la fois répondre à un photographe, Avril (Caroline Dhavernas), et à l’automne dans l’amour. Pendant ce temps, une histoire parallèle sur les trois astronautes qui visitent la planète Mars pour la première fois se mélange et la vie de tous les trois sont changées à jamais.

Ce n’est pas souvent que je voudrais films à être plus long, mais si c’était un film de trois heures, il n’aurait pas été une mauvaise chose. Trop, c’est entassés dans les personnages commencent à devenir deux dimensions trop vite pour ce détenir un poids émotionnel à la fin. Trop de thèmes et de motifs sont jetés autour et vous commencez à perdre votre propre souffle en essayant de garder le rythme. Le dialogue est un cliché, et nous devons prendre des scénarios comme les médecins de Jacob prescrivant la «fusion des âmes” à la place de la médecine au sérieux. La structure se sent sale et l’action de la fonte principale, bien que solide, n’est pas suffisant pour un engagement complet à cette histoire.

L’art déco vient à la rescousse. L’esthétique du film et les bizarreries peu comme les serveurs, la télévision et les nuances diverses du genre d’avenir que nous envisageons est la sucrerie d’oeil de cette image. L’histoire est un gâchis, peu d’un abus d’idées, mais les designers d’art fait un travail fantastique dans la réalisation d’une vision inspirée d’une vision futuriste de Montréal. Pour cela et pour l’humour en prime, je vous le conseille.

Festival du nouveau cinéma

Alors, quelle est exactement une biographie expérimentale poétisée - aka un film d’essai élégiaque - de toute façon? J’ai posé la question à Cathy Lee Crane, dont impressionniste documentaire Last Words Pasolini saisit librement le célèbre metteur en scène italien, poète, la vie d’autrefois militant marxiste et Pier Paolo Pasolini et les écrits. Sur le chemin, il montre son héritage, et peut-être dans le monde, sous un angle différent.

«Je suis à la recherche d’une nouvelle forme», Crane a dit, assis dans le siège du Festival du nouveau cinéma mardi matin. Professeur agrégé à New York, Ithaca Université, elle est en ville pour la semaine pour accompagner sa projection film au FNC et à prendre, dans la mesure du fest la comme elle peut.

«J’ai été très inspiré par le cinéaste britannique biographies Isaac Julien faites au sujet de Langston Hughes et Frantz Fanon», poursuit-elle. «Ils étaient tous les deux écrivains, et il fait le même genre de chose (je fais) - mise en scène de mélange et de tableaux vivants avec des documents d’archives. Je trouve que si fascinant. “

Film de grue intègre des scènes de films et prénoms de Pasolini - Accattone (1961), une histoire controversée de la classe inférieure des proxénètes et des prostituées, et Salo (1975), une histoire scandaleuse de la corruption religieuse et déviance sexuelle - ainsi que des reconstitutions de des scènes de ces films.

Pour cela, ajoute-t-grues tout, de films d’actualités d’une foule sur les lieux d’assassiner Pasolini (il a été tué par un amant en 1975) à un mélange de techniques, y compris superposition, écran partagé, boucles, le ralenti et l’animation.

Particulièrement intrigante sont les reconstitutions, dont l’une a lieu en face d’une projection de la scène originale de Accattone, d’un jeune homme faisant des gestes avec ses mains tout en dénonçant sa captivité.

"Dans une reconstitution, vous avez la possibilité d’incarner à la fois une histoire et aussi la preuve de votre distance de lui," Crane a dit.

Le sujet prend intrigue ajouté lorsqu’il est combiné avec des citations de Pasolini parler de l’impossibilité de refaire ou restadification situations passées, ou reprendre le langage du corps et donc la vérité d’une époque révolue.

Sa critique du corps, c’est que nous sommes tellement inscrite par la réalité sociale que nous avons changé, c’est pourquoi il ne pouvait pas le refaire,” Crane a dit. «Les hommes et leurs organes en Italie plus de 14 ans avaient changé. Avaient-ils changé à ce point? Qui sait? Mais c’est un polémiste. “

Vue polémique de Pasolini du monde, en particulier son fidèle perspectives socio-politique, c’est ce qui a attiré façade de vouloir faire un film sur lui en premier lieu.

«En plus d’avoir une affinité avec lui en tant que cinéaste queer, je partage ses prédispositions esthétiques vers poétique, lyrique fabrication d’images», at-elle dit. «Surtout, j’ai été attirée par son écriture et sa critique du capitalisme de consommation prémonitoire. Depuis que je vis dans le ventre de la bête, il était utile.

"Quand il a été assassiné en 1975, il était un polémiste qui écrivait des articles sur la première page du document. Il était très critique envers le pouvoir en place. … C’est juste une façon de penser sur ma propre place en Amérique, et ce qui se passe avec la guerre contre le terrorisme ».

La politique et le personnel se combinent à chaque tour dans le travail de Pasolini, et dans le film de Crane, qui donne autant d’espace à ses écrits et de commentaires sur ses physiquement attrayantes et représentations sensuelles du corps humain.

Six ans dans la fabrication, Last Words Pasolini a commencé par un pèlerinage. Grue voyage en Italie pour visiter les emplacements d’origine pour les films de son sujet, où elle était de concevoir et de mener ses reconstitutions. Plus de facteur simple nouveauté, l’expérience de ces environnements de première main a une essence précieuse de la vérité à son projet, Crane a dit.

«Je suis comme un archéologue, avec ma caméra Bolex 16mm. C’est comme ça que je commence un film. C’est une forme d’écriture, juste pour être un flâneuse, en passant par les rues avec mon appareil photo et de voir ce qui reste là-bas, ce qui résonne et ce qui se passe. “

Donc ce qui s’est passé?

"D’une part, il était surprenant d’être là sur le coin exactement la même de la rue où il avait mis en scène le dernier coup de Accattone», at-elle dit. «Je me sentais,« Quelque chose d’autre est arrivé ici que j’ai été influencé et inspiré par ".

Fidèle à son titre, son film est très bien sur les idées provocatrices de Pasolini - ses rêveries, de manifestes, de la poésie et les diatribes politiques. Éléments de chacun sont inclus dans Crane parfois bavard, mais toujours impliquant film. Afin de garantir que les Montréalais francophones obtenir les nuances, elle a ré-enregistré certains des lectures du film (dans lequel ses écrits sont récitées en voix off) pour sa version majoritairement français (avec l’italien et l’anglais). Pour aider les téléspectateurs anglophones, elle espère avoir une transcription en anglais de textes disponibles aux fins de distribution aux projections de films de Pasolini.

"Parce que c’est sur ses mots," dit-elle. "Je pense qu’il est l’un des derniers grands polémistes du 20ème siècle. Je pense que finalement … (il a offert) une critique très critique marxiste de l’homogénéisation de la civilisation. " Une rétrospective de l’œuvre de Pasolini est prévue au MoMA de New York en Décembre et Janvier. Alors que le film de Crane ne fera pas partie de l’exposition, elle envisage de tenir un événement satellite.

«Je vais faire partie de la discussion, très certainement,” dit-elle.